Koreografi, seni menciptakan dan mengatur tarian. Kata ini berasal dari bahasa Yunani untuk "menari" dan untuk "menulis." Pada abad 17 dan 18, itu memang berarti catatan tertulis tarian. Namun, pada abad ke-19 dan ke-20, maknanya bergeser, secara tidak akurat tetapi secara universal, sementara catatan tertulis kemudian dikenal sebagai notasi tari.
dance: Koreografi
Koreografi adalah seni membuat tarian, pertemuan dan organisasi gerakan ke dalam tatanan dan pola. Terbaru
Berikut perawatan singkat koreografi. Untuk perawatan lengkap, lihat menari: Koreografi; tarian, Barat.
Komposisi tarian kreatif dengan cara yang sama di mana komposisi musiknya. Notasi tarian, bagaimanapun, adalah sebuah karya analisis dan pelaporan, yang umumnya dilakukan oleh orang-orang selain koreografer, dalam bahasa atau tanda-tanda yang mungkin tidak dipahami oleh pencipta.
Selama Renaissance, para master tari di Italia, seperti Domenico da Piacenza, mengajarkan tarian sosial di istana dan mungkin mulai menciptakan yang baru atau mengatur varian tarian yang dikenal, sehingga menggabungkan fungsi kreatif dengan yang mendidik mereka. Balet yang dipentaskan menggunakan langkah dan gerakan yang sama seperti tarian sosial dan berbeda darinya terutama dalam pengaturan lantai dan proyeksi visual.
Pada abad ke-16, para pakar tari di istana Prancis mengatur pola lantai dan konteks teatrikal dan artistik dari tarian sosial mereka untuk memulai bentuk koreografi, ballet de cour. Dalam dua abad berikutnya, kesenjangan antara tari sosial dan tari teater melebar sampai balet pada abad ke-19 mencapai kosa kata yang pada dasarnya independen.
Master balet era ini, koreografer, adalah penata tari sebagai seni teater. Raksasa seni koreografi abad ke-18 akhir adalah Jean-Georges Noverre, yang karyanya dan tulisannya membuat balet dramatis, atau balet d'aksi, dirayakan. Dalam hal ini, balet memasukkan pantomim serta tarian akademik, memberikan ekspresi pada tarian dengan konteks naratif dan histrionik. Setelah Noverre dan Gasparo Angiolini kontemporer, yang lain mengembangkan tren ini dengan berbagai cara — terutama Jean Dauberval dalam penggambaran realistis rakyat pedesaan kontemporer, Charles Didelot dalam bergerak ke arah ilusi dan fantasi panggung Romantis, dan Salvatore Viganò dalam penggunaan dramatis ensemble tersebut (choreodramma) dan kealamian dari gerakan tragis.
Para koreografer gerakan Romantis menggunakan balet, sebagaimana dikodifikasikan oleh tuan-tuan seperti Carlo Blasis, terutama dalam bentuk-bentuk teater balet d'action pada zaman Noverre atau dalam pengalihan opera (selingan balet). Balerina, perannya meningkat oleh pointework yang baru diciptakan (posisi keseimbangan pada ujung jari kaki yang ekstrem), dan balet korps wanita keduanya mendapatkan keunggulan baru. Para koreografer yang paling mengembangkan seni narasi tari teater adalah August Bournonville di Kopenhagen; Jules Perrot, khususnya di London dan St. Petersburg; dan Marius Petipa, yang di St. Petersburg membawa aksi balet klasik yang spektakuler ke puncaknya dalam karya-karya seperti The Sleeping Beauty, di mana rangkaian tarian klasik yang luas dan kompleks membawa ekspresi puitis dan metaforis ke plot.
Tarian modern awal di Amerika Serikat memperkenalkan elemen baru gerakan dan ekspresi; dan dalam balet karya Michel Fokine menekankan gaya yang lebih naturalistik dan gambar teater yang lebih kuat daripada klasikisme balet Petipa. Sejak itu, bentuk koreografi bervariasi antara kutub representasi dan abstraksi.
Notasi tari pada abad ke-20 menjadi perhatian dengan gerakan dasar serta tarian formal dan dibantu oleh penemuan sistem baru simbol-simbol abstrak - Rudolf von Laban dan Rudolf Benesh menjadi yang paling berpengaruh. Labanotasi adalah yang pertama menunjukkan durasi, kelancaran, atau intensitas gerakan. Saat ini, sistem ini dan yang lainnya terus berkembang pesat, diperkuat oleh film dan rekaman video.
Koreografi berkembang tidak kalah cepat. Metode komposisi bervariasi secara radikal - beberapa koreografer menggunakan improvisasi penari mereka sebagai bahan baku, yang lain merancang setiap gerakan sebelum latihan. Merce Cunningham secara radikal mengubah konteks koreografi dalam sikapnya terhadap musik dan dekorasi sebagai kebetulan (bukan kolaboratif atau suportif) untuk menari, dalam penggunaan metode kesempatan dalam komposisi dan organisasi tari, dan dalam penggunaan ruang pertunjukan nontheatrik. Dia, George Balanchine, dan Sir Frederick Ashton menjadi eksponen utama tarian klasik atau abstrak; tetapi dua yang terakhir — seperti Martha Graham, Leonide Massine, Jerome Robbins, dan lainnya — juga menghasilkan karya koreografi representasional utama. Satu-satunya aturan mutlak dalam koreografi hari ini adalah bahwa ia harus memaksakan ketertiban pada tarian di luar tingkat improvisasi murni dan bahwa ia harus membentuk tarian dalam tiga dimensi ruang dan dimensi waktu keempat, serta sesuai dengan potensi manusia. tubuh.
