Musik yang harmonis

Chromaticism dalam harmoni

Meskipun paragraf sebelumnya mewakili garis besar singkat sikap komposer terhadap harmoni dan nada suara dari akhir Abad Pertengahan hingga abad ke-20, ada bahaya bahwa garis besar dapat diambil sebagai pernyataan kaku tentang praktik standar oleh komponis pada setiap periode di sejarah musik Sebenarnya, meskipun garis besar ini tetap menjadi kerangka umum di mana komposer bekerja, mereka sering menyimpang dari itu sampai batas tertentu, terutama dalam penggunaannya pada not berwarna catatan).

Kapasitas nada berwarna untuk menambah warna harmonis, ekspresif, dan minat tampak jelas bagi komponis dari awal praktik harmonik standar. JS Bach, misalnya, dalam sebuah bagian yang mencolok di akhir "Crucifixus" Misa di B Minor, meminjamkan kepedihan pada deskripsi verbal penguburan Kristus dengan alat musik modulasi mendadak dari B minor ke tajam kunci baru yang kontras, G mayor, yang berisi catatan berwarna untuk kunci dasar. Mozart juga memperoleh banyak dorongan gaya harmonisnya dari penggunaan kromatisisme yang konstan. Perangkat khas Mozart, misalnya, adalah penggunaan dominan dominan sekunder untuk mengintensifkan gerakan harmonis. Dominan sekunder adalah akord yang terkait dengan dominan; khususnya, itu yang dominan dari yang dominan. Jika kuncinya adalah C, dominan adalah G dan dominan sekunder adalah D. Akord dominan sekunder berdasarkan sifatnya mengandung nada yang berwarna untuk kunci dasar. Dalam musik Mozart, perkembangan harmonik dari akor tonik (I) ke akor dominan (V) akan sering melewati dominan dari dominan (V-of-V): dari I ke V-of-V ke V. Dengan menggunakan sekunder dominan, ia memperluas jangkauan harmonik komposisi dengan memperkenalkan chromaticism. Dalam karya-karyanya selanjutnya, Mozart juga semakin bergantung pada nilai suspensi yang tidak harmonis untuk menciptakan minat yang harmonis. Pengantar lambat String Quartet-nya di C Major, K 465 (Kuartet Disonansi; 1785), terdiri dari serangkaian penangguhan yang lama tertunda sehingga definisi harmonis pada setiap saat tertentu sama kaburnya dengan apa pun di Wagner.

Meskipun gaya harmonik periode praktik umum tetap menjadi kerangka dasar, sejarah musik dari masa Mozart hingga saat ini menunjukkan peningkatan konstan dalam kepadatan harmonik, atau jumlah kromatisisme dan perubahan akord yang sering terjadi. Bar pembuka dari Beethoven's Eroica Symphony menunjukkan kekuatan chromaticism untuk meningkatkan efek emosional.

Delapan catatan pertama dari tema tersebut sangat normal dalam garis besarnya, triad dari E flat mayor, kunci nada gerakan. Tetapi dua not selanjutnya mengarah dengan sangat jauh dari stabilitas harmonis ini, dengan not ke 10 not C yang sama sekali tidak berhubungan. Pergeseran mendadak ini benar-benar mengecewakan struktur harmonik dan memberikan pemberitahuan yang tidak salah bahwa gerakan yang panjang dan kompleks diperlukan untuk memperbaiki ketidakseimbangan. Tidak sampai puncak gerakan adalah tema pembukaan ini diizinkan untuk mengikuti garis harmonik yang diharapkan ditentukan oleh gaya zaman.

Sepanjang abad ke-19, komposer tetap berakar pada konsep dasar nada suara sementara pada saat yang sama melakukan segala daya mereka untuk mempersulit atau mengaburkan indera nada untuk pendengar. Bahkan di abad ke-20, kelompok komposer besar, beragam, dan penting yang disebut konservatif — di antaranya, Samuel Barber, Aaron Copland, Sir William Walton, Dmitri Shostakovitch, Gian Carlo Menotti, Benjamin Britten — menganut konsep nada suara hanya sebagai tantangan. Nada suara dalam karya mereka ada, dalam arti bahwa ada area stabil yang diperluas yang memberi kesan berada di beberapa kunci yang dapat ditentukan. Tetapi kromatisisme yang intens dari komposisi abad ke-20, baik itu konservatif atau radikal, membuat hampir mustahil bagi pendengar untuk memahami kesatuan sebuah karya dalam hal kepatuhannya pada rencana nada yang jelas. Persatuan dicapai, lebih tepatnya, dengan cara melodi, pengorganisasian ritme, atau bahkan warna nada. Untuk semua tujuan praktis, fungsi nada suara sebagai kekuatan pemersatu utama dalam struktur musik, yang dikenal dari abad ke-15 hingga abad ke-19, adalah sesuatu dari masa lalu.

Disonansi dalam harmoni

Dasar dari musik harmonik adalah saling mempengaruhi antara harmoni dan disonansi. Konsonan dapat didefinisikan sebagai kisaran normal kombinasi nada yang diterima oleh ahli teori dan komponis pada waktu tertentu sebagai menyiratkan istirahat; disonansi, oleh karena itu, mengacu pada suara apa pun di luar rentang itu. Sejak abad ke-19, ketika penulis semakin mengeksplorasi efek musik pada emosi, kedua istilah ini mengambil aspek penilaian nilai. Ada kecenderungan untuk mengacaukan konsonan dengan kerukunan, atau suara manis, disonansi dengan perselisihan, atau suara bentrok. Ini telah menyebabkan sejumlah kebingungan.

Disonansi sebenarnya merupakan elemen utama dalam harmoni yang menciptakan gerakan, dan ini telah diakui oleh komponis dari awal milenium harmonis. Ketika telinga manusia mengakui harmoni tertentu sebagai tidak stabil dalam konteks komposisi, itu menuntut bahwa ketidakstabilan ini diperbaiki oleh resolusi ke harmoni yang stabil. Disonansi, oleh karena itu, tidak pernah dilarang dalam musik, karena tanpanya musik akan menjadi sangat statis. Apa yang telah didefinisikan dengan jelas di setiap era adalah, perlakuan terhadap disonansi, pendekatan ke arah itu dan menjauh darinya dengan cara yang halus dan logis sehingga aliran musik adalah ketegangan dan relaksasi yang berkelanjutan.